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El arte como herramienta de empoderamiento para las mujeres en la abogacía 3j2a55

Mon, 13 Jan 2025 19:14:26 +0000

El arte como herramienta de empoderamiento para las mujeres en la abogacía

Resulta crucial que las abogadas tengamos un acercamiento no solo a otras ciencias, sino también a las diversas manifestaciones artísticas.

Redacción Lexlatin Mon, 13/01/2025 - 15:14

Autor del artículo de opinión

*Regina Godínez

Tradicionalmente, se ha visto a la profesión jurídica como una disciplina aislada de otras ramas del conocimiento, enfocándose principalmente en la lógica, la argumentación y el rigor técnico; se suele dejar en un segundo plano el aspecto creativo y emocional que son esenciales para la formación de un profesional completo.

En un mundo que demanda cada vez más habilidades interdisciplinarias, resulta crucial que las abogadas tengamos un acercamiento no solo a otras ciencias, sino también a las diversas manifestaciones artísticas. El arte, en todas sus formas, fomenta la creatividad, la empatía y la capacidad de comunicación, cualidades que son fundamentales para el ejercicio exitoso de la abogacía.

El arte, entendido como un género del que derivan disciplinas como la pintura, la literatura y el teatro, ofrece un conjunto de herramientas valiosas para el empoderamiento de las mujeres en la abogacía. En un entorno donde la presión y la competencia son intensas, estas disciplinas proporcionan un espacio para la reflexión, la expresión personal y la construcción de una identidad profesional más rica y diversa.

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Históricamente, los hombres han dominado los espacios donde se reconoce a los “grandes” y “más destacados”. Esta realidad se refleja no solo en el ámbito artístico, sino también en la abogacía: los roles de poder han sido tradicionalmente ocupados por figuras masculinas. Recientemente, durante una visita al Museo de Arte de Filadelfia, observé que las obras “imperdibles” seguían siendo de artistas como Van Gogh, Monet, Cézanne, Picasso y Diego Rivera. Sin embargo, también descubrí salas menos concurridas, pero igualmente significativas, que exhibían el trabajo de mujeres como Diana Scultori, Maria Longworth Nichols y Marie-Rosalie Bonheur.

Estas artistas, aunque vivieron en épocas distintas y se desarrollaron en diferentes disciplinas, comparten un hilo común: trascendieron sus contextos y han inspirado a mujeres a lo largo de los siglos a encontrar en el arte una vía para el cambio social y la resiliencia. Este legado nos recuerda que el arte no es solo un reflejo de la cultura, sino una herramienta poderosa de empoderamiento, especialmente en profesiones como la nuestra, que a menudo exigen más de nosotras por el simple hecho de ser mujeres.

El impacto del arte en la formación y bienestar de las abogadas

La abogacía es una profesión altamente demandante y para nosotras, las mujeres, ese nivel de exigencia puede ser aún más intenso debido a las expectativas sociales. La sociedad impone estereotipos y normas de comportamiento que nos afectan de manera particular, desde cómo manejamos el estrés hasta cómo expresamos nuestras emociones en el entorno laboral. ¿Cuántas veces nos han hecho sentir inadecuadas por tener un mal día, por no estar completamente concentradas o por no tener el ánimo de sonreír? Estas experiencias nos llevan a ser etiquetadas como malhumoradas o faltas de disciplina. Para comprender plenamente lo que implica ser mujer en la abogacía, es necesario vivirlo.

En este contexto, el arte emerge como un refugio y una fuente de fortaleza. Investigaciones han demostrado que involucrarse en actividades artísticas puede reducir el estrés, mejorar el bienestar emocional y fortalecer la resiliencia. Escritoras como Ángeles Mastretta, Isabel Allende y Carmen Laforet, por ejemplo, nos ofrecen diferentes perspectivas sobre la experiencia y la mística femenina, enriqueciendo nuestra comprensión de los desafíos que enfrentamos y dándonos ejemplos de superación y éxito.

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El arte como motor de cambio social

El arte no solo es una herramienta de empoderamiento individual, sino también un motor de cambio social. A través de la historia, las mujeres artistas han utilizado sus obras para cuestionar las normas sociales y luchar por la igualdad. En el ámbito jurídico, podemos hacer lo mismo al utilizar nuestras habilidades creativas para abordar problemas legales desde nuevas perspectivas, desarrollar estrategias innovadoras y promover una mayor equidad en la práctica del derecho.

Aún queda mucho por hacer en el campo de la abogacía para las mujeres. Es un trabajo que debemos ejecutar día tras día, recordando que, aunque Roma no se construyó en un día, cada ladrillo colocado fue crucial para su edificación. De la misma manera, cada pequeña acción que realizamos puede tener un impacto duradero.

Nuestra capacidad de trascender

Al igual que aquellas artistas que iramos, nosotras también tenemos el poder de trascender. Quizás nuestras obras no sean expuestas en una galería o nuestras novelas no alcancen una 30ª edición, pero sin duda, podemos impactar la vida de otra mujer: de nuestra compañera de oficina, de una estudiante de Derecho o de aquellas mujeres cuyos casos representamos y comprendemos profundamente. El poder de cambiar el mundo, aunque sea de manera sutil, reside en nosotras y en nuestra capacidad de apoyarnos mutuamente y seguir adelante, inspiradas por el arte y la creatividad.

Fuentes:

“Art and Well-Being”, Stephen Murphy-Shigematsu Ed.D., Psychology Today.
“Gender in Art: 6 Artists Questioning Gender Norms”, Ruth Millington, Rise Art.
“Law, Literature, and the Problems of Interdisciplinarity”, Jane B. Baron, The Yale Law Journal, Vol. 108:1059
“Stress Reduction and Emotional Resilience through Artistic Engagement.” American Psychological Association.

*Regina Godínez es asociada en el área de corporativo, fusiones y adquisiciones de Von Wobeser y Sierra. Es graduada de la Universidad Panamericana y actualmente cursa un LL.M. en University of Pennsylvania.

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El plagio de un profesor de secundaria a sus alumnos en Canadá 93r6u

Wed, 28 Feb 2024 18:59:08 +0000

El plagio de un profesor de secundaria a sus alumnos en Canadá

Mario Perron es objeto de una demanda colectiva que exige compensación por violar la ley de derechos de autor.

Rosa Ramos Wed, 28/02/2024 - 14:59

Mario Perron fue un expositor independiente en la galería online Fine Art America, hasta que —hace cerca de dos semanas— se vio obligado a retirar “sus” obras (cerca de 100) y borrar su perfil de esta página. Esto sucedió debido a que, aunque estaban firmadas por él, sus obras no le pertenecían sino a sus alumnos de secundaria, a quienes les pidió que recrearan, como tarea para su clase de arte, una serie de retratos y autorretratos al estilo del pintor Jean-Michel Basquiat.

Perron es un profesor de Montreal (Canadá) quien se dedicó sistemáticamente a vender las pinturas de sus alumnos, luego de asignarles nombres alusivos a cada verdadero autor (usualmente los reales) como Julia's u Olivia’s Creepy Portrait.

Pero Mario MJ Perron (como firmaba las pinturas) no solo se limitó a cargar y poner las obras de los niños en venta, sino que también creó una serie de productos como ropa, tazas, cojines y cortinas de baño, entre otros artículos, con las impresiones de los retratos infantiles.

Más sobre derechos de autor: ¿Por qué los artistas venden su catálogo musical?

Su esquema, que algunos padres de los artistas originales han denominado “un taller de explotación laboral” (sweatshop, en inglés), ha sido condenado y clausurado; además, causó una debacle en la carrera pedagógica de Perron, quien —autodenominado como un “eterno estudiante de arte”— ahora es objeto de una demanda colectiva que exige compensación por violar la ley de derechos de autor nacional, así como por haber causado daños morales y punitivos.

En su demanda, que involucra a la Junta Escolar Lester B. Pearson (LBPSB), de Québec, los padres alegaron que la exhibición y venta sin consentimiento de los retratos, que además identificaban a los alumnos, les podrían causar un daño moral y psicológico significativo.

En total, dos de los padres exigen, tanto a Perron como a la LBPSB, 300.000 dólares canadienses por infracción de la Ley de Derechos de Autor (Copyright Act, R.S.C., 1985, c. C-42) y 50.000 dólares como compensación por daños morales y punitivos por violentar la propiedad intelectual de sus hijos, mientras otros ocho padres exigen un pago de 175.000 dólares por el mismo concepto.

No dejes de leer: Demanda a Netflix por Caso Griselda; ¿son aplicables el derecho a la imagen, a la exclusividad y a la libertad de expresión?

Los litigantes están representados por Martin DeBellefeuille, fundador y socio de la firma quebequiana BDeB Avocats et Consultants RH, quien señaló que los demandantes están impresionados por la falta de respuestas claras de la LBPSB y la secundaria Westwood Junior High School, que contrató a Perron.

La carta enviada por el abogado a las instituciones alega que la apropiación indebida de la propiedad intelectual de los estudiantes/artistas es un acto “aún más atroz porque surge del uso de material creado por estudiantes en un entorno escolar, bajo la vigilancia de una autoridad y vendido impunemente a precios elevados”. Asimismo, el documento acusa a la Junta y a la secundaria de no haber verificado exhaustivamente los antecedentes, credenciales y redes sociales de Perron antes de contratarlo.

DeBellefeuille escribió a la Junta que la falta de sanciones y acciones pidiendo, al menos, la retirada de las obras de los sitios donde se vendían demuestran “cierto desprecio por la propiedad intelectual de los estudiantes de la escuela, así como una falta de comprensión de las leyes aplicables”.

De interés: Ante los ciberataques: ¿Cuánto han avanzado las leyes en América Latina en protección de datos?

Base legal

DeBellefeuille aseguró que sus representados tienen derecho a exigir compensación monetaria bajo la sección 38 de la Copyright Act, que establece daños legales si el propietario de los derechos de autor los exige, se haya vendido la obra o no, y que este puede optar, antes de cualquier sentencia, a una indemnización por daños y perjuicios en una suma de no menos de $500 y no más de $20.000 “que el tribunal considere justa, con respecto a todas las infracciones involucradas en el procedimiento para cada obra u otra materia”, si las infracciones son para fines comerciales, o de no menos de $100 y no más de $5.000, si las infracciones son para fines no comerciales.

Ya que la escuela y la Junta están indirectamente involucradas, vale la pena acotar que esta ley establece que no se podrá conceder ninguna indemnización legal por daños y perjuicios a una institución educativa o una persona que actúa bajo su autoridad que ha cometido un acto mencionado en la sección 29.6 o 29.7 y no ha pagado regalías ni ha cumplido con los términos y condiciones establecidos en dicha ley; así como a una institución educativa, biblioteca, archivo o museo que sea demandada en las circunstancias mencionadas.

Ambas secciones establecen, en muy resumidas cuentas, que no existe infracción de los derechos de autor si se actuó bajo la autoridad de una institución de enseñanza (como cuando se fotocopia material con derechos de autor para fines educativos) y que no es tampoco una infracción de los derechos de autor que una institución educativa haga una sola copia de una obra con fines educativos.

Para repasar: NotMilk: El enfrentamiento entre The NotCompany y Aproval por competencia desleal

Esto pone en evidencia, a la luz de la ley canadiense, que Perron y la LBPSB deben responder económicamente por la violación de los derechos autorales de los alumnos, aunque —como dijo la Junta para disminuir el daño— Perron no vendió ninguna de las obras antes de ser descubierto.

Aún así, la Junta es señalada de no haber garantizado la evaluación correcta de Perron antes de permitirle dirigir una clase, por lo que incurrieron en una violación del Código Civil de Québec.

Mientras tanto, la LBPSB emitió un comunicado en el que explicó que está investigando “exhaustiva y rápidamente” la controversia, aunque algunas requieren un período de investigación más prolongado “para garantizar una comprensión integral y una resolución adecuada.”

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Hermès gana la batalla de los MetaBirkins 2i129 ¿afectará esto a los demás creadores de NFT?

Wed, 15 Feb 2023 21:34:53 +0000

Hermès gana la batalla de los MetaBirkins, ¿afectará esto a los demás creadores de NFT?

El caso se planteó la aplicabilidad de la normativa sobre derechos de propiedad intelectual e industrial en el metaverso.

Rosa Ramos Wed, 15/02/2023 - 17:34

Poco más de un año después de que inició la disputa, la marca sa Hermès cerró el capítulo que la enfrentó con Mason Rothschild (seudónimo de Sonny Estival), el artista digital que diseñó una colección de NFT con distintas variaciones del bolso Birkin de Hermès, llamada MetaBirkins.

El veredicto se dio a conocer el 8 de febrero, cuando el jurado que dirimió la causa en el Tribunal Federal de los Estados Unidos para el Distrito Sur de Nueva York concedió a la marca sa la razón y una compensación de 133.000 dólares por daños y perjuicios, esto por infracción de los derechos de marca registrada, su dilución y ciberocupación indebida (el artista registró el dominio MetaBirkins para vender sus NFT) de parte de Rothschild.

La victoria de los galos se puede interpretar como el triunfo sobre lo estipulado en la Primera Enmienda de la Constitución de los Estados Unidos, que ampara la libertad de discurso y expresión ergo protege la apropiación creativa y que era usada como argumento de los abogados de Rothschild, quien aseguró siempre que sus MetaBirkins son una recreación artística derivada de su libertad de expresión y no una copia (cabe resaltar que, además, la colección de NFT advertía que no había relación entre esta y Hermès).

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El artista y sus abogados aseguraron que los tokens eran arte realizado como una metáfora del consumismo y como crítica al uso de pieles en artículos de lujo y como símbolo cultural de “riqueza y estatus enrarecidos”, por lo que invitaban a ver el contexto de su realización.

Danielle N. Garno (socia) y Krithika Rajkumar (asociada), de Holland & Knight LLP, explicaron a Fashion & Law Journal que este caso “podría sentar las bases de cómo la ley de marcas registradas afecta los NFT y cualquier activo digital relacionado con el uso justo y la libertad de expresión”, amén de generar nuevas preguntas sobre el alcance del arte interpretativo/apreciativo en el Metaverso y qué hacer con todas las disputas similares que existen en este momento. Este, como dijeron las abogadas, es uno de los primeros casos que estudió la interacción de marcas registradas del mundo real con el metaverso.

Ambas destacaron que “a diferencia del arte tradicional que se exhibe en las galerías, los artistas y las marcas pueden verse como competidores en el mundo virtual si intentan operar con el mismo nombre o con nombres contradictorios”, como pudo haber ocurrido en esta disputa, pues -como señaló Hermès- era bastante probable que los consumidores confundieran la colección de Rothschild con lanzamientos oficiales de NFT de ellos (recordemos que otras casas de moda como Burberry, Gucci y Givenchy tienen colecciones oficiales de NFT en el metaverso).

Cuatrecasas recordó en su blog que toda disputa relacionada con marcas y NFT analiza la aplicación, adecuación y suficiencia de las actuales leyes de propiedad intelectual e industrial en el metaverso, donde aún existen diversas áreas grises, por eso la resolución de esta disputa sienta las bases de las que seguirán.

De interés: ¿Qué infracciones de propiedad intelectual ha enfrentado Meta?

En este caso, dijo el despacho español, “se planteó el grado de aplicabilidad de la normativa sobre derechos de propiedad intelectual e industrial en ámbito del metaverso y, en particular, de los NFT, así como el potencial conflicto que puede existir en esta realidad entre los derechos marcarios y el derecho a la libertad de expresión. Tratando de resolver el litigio, el juez federal de Nueva York se centró en primer lugar en determinar qué debe entenderse por un ‘NFT’ y cuáles son las clases de NFTs existentes”, algo que resultó ser la clave en la resolución. Durante las deliberaciones del juicio se diferenció entonces entre los tokens que son una mera imagen (como los MetaBirkins) y aquellos que se asocian a un archivo multimedia que pueda usar un avatar virtual.

¿Deben registrarse las marcas de la vida real en el metaverso para proteger su PI?

Esta es la pregunta que, palabras más, palabras menos se hizo Laura Lamansky, asociada de Michael Best & Friedrich LLP, quien aseguró que este caso es “un punto de inflexión trascendental para la Web3 y los bienes digitales”, especialmente porque puede arrojar luz sobre cómo los bienes de consumo y las NFT interactúan con la Primera Enmienda, hasta dónde llegan los derechos de las marcas en el mundo virtual y si los NFT son o no obras de arte que pueden estar amparadas por la constitución estadounidense.

El jurado que falló a favor de Hermès consideró que la colección de Rothschild no son obras de arte sino mercancías sujetas a las leyes de protección PI, por lo que, al no ser discurso protegido, los MetaBirkins infringieron los derechos de autor de la marca europea. “Los artistas deben tener en cuenta que no es la creación de arte lo que es problemático, sino la forma en que se marca y empaqueta a los consumidores lo que puede infringir los derechos de propiedad intelectual”, recordaron las abogadas de Holland & Knight.

Quizá quieras leer: Derechos de autor en el metaverso y otros derechos vinculados en la compra de obras digitales

De acuerdo con el memorando de orden de la Corte de Distrito, el jurado oyó los argumentos de Rothschild de que las acusaciones de Hermès debían pasar por el filtro de “la prueba de Rogers” [Rogers v. Grimaldi, 875 F.2d 994 (2d Cir. 1989)], lo que requería desestimar las afirmaciones de Hermès por motivos de la Primera Enmienda.

Rogers v. Grimaldi es un caso de libertad intelectual y marca registrada que se usa en Estados Unidos como base para determinar en disputas como estas si la obra derivada viola los derechos PI o industriales de terceros, si el uso de una marca en una obra ajena es ilícito y si se requiere de la autorización previa de una marca o persona con derechos de imagen (ya que quien inició este caso fue Ginger Rogers contra MGM por la producción y distribución de la película de una película llamada Ginger and Fred) para usar su nombre o similitud es artísticamente relevante o engañoso.

El juzgado también analizó los reclamos bajo las Secciones 32 y 42(a) de la Ley Lanham para los reclamos de infracción de marca registrada y competencia desleal bajo la ley de Nueva York, por lo que la casa de moda debía demostrar que el criptoartista actuó de mala fe. La corte determinó que “la prueba de Rogers” aplicaba en parte a esta demanda, pero que como esta incluyó suficientes alegatos de engaño explícito se debían tomar en cuenta los reclamos de infracción de marca registrada.

The Global Legal Post recogió los comentarios de varios expertos sobre el tema, estos dijeron que el caso fue estratégicamente inteligente para que Hermès describiera a Rothschild como un generador de dinero oportunista y potencial estafador, además de constituir una valiosa oportunidad para que las marcas frenen los impulsos de los artistas que tengan la intención de recrear en el mundo virtual productos sujetos a derechos de marca registrada de terceros. En este artículo, Josh Charalambous, abogado de PI de RPC, apuntó que “la decisión no debe verse como un impacto en los artistas o creadores, sino más bien como un recordatorio de que las leyes de propiedad intelectual se aplican incluso a los NFT y los activos digitales en el metaverso” y que la conclusión de este caso no ha fijado un precedente legal que pueda aplicarse globalmente.

Podrías leer: ¿Qué cláusulas deben considerar creadores e inversionistas frente a la adquisición de NFT?

Asesores legales

Hermès International S.A. estuvo representada por BakerHostetler LLP mediante sus socios Deborah Wilcox, Oren Warshavsky, Gerald Joseph Ferguson y los asociados Kevin Wallace, sca Rogo, Lisa Bollinger Gehman y Jessica Fernández.

Mason Rothschild estuvo asesorado por Lex Lumina, PLLC, mediante sus socios Rhett Millsaps, Christopher Sprigman y los consultores Rebecca Tushnet y Mark McKenna. También lo asistió la boutique Harris St. Laurent & Wechsler LLP a través de los socios Jonathan Harris y Adam Oppenheim y la asociada Ashley Robinson.

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Tatuajes de autor 4f6ii ¿el derecho es del tatuador o del tatuado?

Wed, 08 Feb 2023 07:59:58 +0000

Tatuajes de autor, ¿el derecho es del tatuador o del tatuado?

Lo que se discute es si las personas que están tatuadas tienen derecho a explotar su imagen sin pedirle permiso a quien los tatuó

Rosa Ramos Wed, 08/02/2023 - 03:59

¿A quién pertenece un tatuaje?, parece una pregunta sencilla con una respuesta no solo directa sino más sencilla aún: a quien lo lleva, ¿cierto?

En realidad no es tan sencillo. Por ejemplo, en 2016, los creadores del videojuego NBA 2K16 (2k Games, Inc.) enfrentaron una demanda por derechos de autor por haber recreado en los avatares de Eric Bledsoe, Kobe Bryant, Kenyon Martin, Danny Green, Tristan Thompson y LeBron James los tatuajes que llevan sin haberle pedido permiso o pagarle una compensación a Solid Oak Sketches, la compañía de licencias de tatuajes dueña de los diseños tintados en los basquetbolistas.

El videojuego estaba destinado a recaudar ganancias por ventas usando la imagen de los atletas, quienes -además- llevaban tatuajes licenciados en sus avatares, pero la recreación de estos era, para Solid Oak, una copia no autorizada. Por eso decidió demandar a la editora de juegos.

El caso, que fue muy conocido en Estados Unidos, puso en primera línea la discusión de la autoría de los tatuajes y el derecho de uso de estos y obligó a una revisión de la ley de derechos de autor estadounidense al generar la pregunta de si los tatuajes deben tener licencia para aparecer en productos audiovisuales.

Más sobre PI: El sistema de compensación por copia privada que propone España

Este caso eventualmente se resolvió a favor de 2k Games, Inc. ya que el Tribunal de Distrito del Distrito Sur de Nueva York, que atendió la demanda, determinó que el uso de los tatuajes en el videojuego constituyó uso justo, especialmente porque los jugadores nombrados tenían una licencia implícita para usar y exhibir los tatuajes como parte de su imagen, misma que cedieron para el desarrollo del juego, ergo NBA 2k16 no infringió los derechos de autor de Solid Oak Sketches y, además, de acuerdo con el tribunal, los jugadores tienen derecho a usar como parte de su imagen comercial el arte sobre sus cuerpos.

No hay duda: Los tatuajes están sujetos al derecho de autor

Lo que se discutió en el caso de NBA 2k16 vs Solid Oak Sketches nunca fue si los tatuajes están o no protegidos por los derechos de autor (sí lo están), sino si las personas que están tatuadas tienen derecho a explotar su imagen sin pedirle permiso antes a quien los tatuó (o a quien haya comprado las licencias de sus tatuajes), tener que hacerlo —dijeron los abogados que defendieron a 2k Games— constituye una restricción a los derechos humanos de quien porta los diseños.

De acuerdo con Tamar Duvdevani, colíder de la práctica de derechos de autor de marcas registradas y medios de DLA Piper Estados Unidos, en esta disputa se revisó la jurisprudencia disponible, aunque esta no ha resuelto por completo la diatriba.

Licencia de uso

La abogada explica que, según los jugadores, una vez se completó el diseño en sus cuerpos abandonaron el estudio de Solid Oak convencidos de que los tatuajes podían exhibirse libremente al ser una parte permanente de ellos. Pero a pesar de esto, la persona que tiene el tatuaje no es el propietario de los derechos de autor sino quien lo diseñó o compró la licencia de uso.

Respecto a la licencia implícita de uso una vez se entinta la piel, Jeremy S. Goldman, socio de la práctica de litigios de Frankfurt Kurnit Klein & Selz PC, dijo a Vice que “cuando un tatuador le hace un tatuaje a alguien va acompañado de una licencia implícita muy amplia” que presumiblemente da el derecho a ese tercero de mostrar su cuerpo y explotar su imagen libremente. Las preguntas que hay que hacerse, según el abogado, son qué tan separado está un cuerpo de sus tatuajes, cuáles usos involucra la licencia implícita y si el cuerpo es, como un lienzo o fotografía, un medio fijo de expresión. Duvdevani resaltó que para responder a estas cuestiones está la jurisprudencia local, aunque hasta ahora "los tribunales han determinado que los tatuajes en un cuerpo son fijados en un medio tangible”.

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Kat Von D. vs Jeffrey Sedlik

Existen otros conflictos alrededor del uso justo de un tatuaje o de la imagen en la que se basa. Es el caso de la demanda de la que fue objeto Kat Von D., tatuadora californiana y estrella de reality shows, en 2021, quien fue acusada por el fotógrafo Jeffrey Sedlik de infringir sus derechos de autor sobre una fotografía suya y registrada de Miles Davis, que Von D. retocó y marcó en la piel de un cliente como un trabajo derivado no autorizado.

Este caso fue revisado bajo la doctrina de uso justo estadounidense, que comprende que uso justo (sin violentar los derechos de propiedad intelectual de terceros) es que la nueva obra use una parte de la obra original para hacer un comentario o crítica o para convertirla en material educativo o informativo sin fines de lucro, también toma en cuenta cuánto de la obra original tomó la obra derivada y con qué propósito y el efecto que sobre el mercado potencial podría tener el uso de la nueva obra (las parodias, por ejemplo, son uso justo de los derechos de autor).

En el juicio que siguió a esta demanda se discutió si concluir que el tatuaje de la artista no era una obra derivada y lo suficientemente transformativa y, por tanto, no hubo uso justo, no era convertir indirectamente la exhibición pública de los tatuajes en un acto de infracción empeorado, además, por la posible exhibición de estos en redes sociales u otros medios audiovisuales. Entonces la discusión siempre vuelve a si entender la muestra pública de los tatuajes o explotar comercialmente la imagen propia como una violación a los derechos de un tercero es coartar los derechos humanos de los portadores.

La especialista de DLA Piper precisó que si alguien se hace un tatuaje a partir de una fotografía, “depende completamente de si el tatuaje es ‘sustancialmente similar’ a la fotografía original” el determinar si se trata o no de un trabajo derivado no autorizado.

“Si es así, probablemente sería una infracción”.

Sobre si la publicación en redes sociales de un tatuaje basado en una imagen con copyright es una infracción de los derechos de autor del original, explicó que “esta es una pregunta legalmente compleja que depende de los hechos específicos y la ley del circuito aplicable pero, generalmente, cualquier difusión no autorizada de un trabajo protegido por derechos de autor es una infracción, por lo que, en ausencia de un argumento exitoso de uso justo, esto podría ser procesable”.

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El conflicto está lejos de terminar

Con el crecimiento constante de la industria de videojuegos y, ahora, con la entrada a la cancha del metaverso (que atrae a artistas y famosos de diversa índole, aparte de atletas) donde los s tienen la oportunidad de recrear su imagen, es bastante lógico pensar que los tatuadores, los tatuados y las empresas dedicadas a explotar comercialmente avatares de personas reales van a seguir chocando en los tribunales en las próximas décadas, particularmente porque las pieles entintadas también son más comunes y ubicuas.

Hasta ahora no queda duda de quién es el propietario de los derechos de autor de un tatuaje, pero tendrá que dilucidarse en el futuro inmediato quién es el autor de estos en el mundo virtual y cuánta autonomía tiene el tatuado de ceder su imagen para la explotación comercial de la tinta en su cuerpo que, por ley, pertenece a otro.

Para resolver rápidamente el tema, mientras se determina a través de la jurisprudencia qué hacer en todos los casos, Goldman recomienda a los individuos sujetos a una posible explotación de su imagen protegerse de las demandas por el uso de un tatuaje mediante la exigencia de que el tatuador firme una liberación de derechos de propiedad intelectual, de lo contrario nada impide que —sin cesión— el artista se oponga a ciertos usos de su obra ni que exija compensación por ello.

El conflicto se complica porque, al menos en Estados Unidos, las demandas por uso de tatuajes sin licencia enfrenta dos derechos constitucionales: la Primera Enmienda y el derecho a la autonomía corporal vistos desde la ley de derechos de autor. La Primera Enmienda porque los videojuegos y otros productos audiovisuales son considerados free speech en el país, puesto que son concebidos como obras expresivas y, por ende, amparadas por esta enmienda.

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Druet vs. Cattelan 1a1217 la demanda de un escultor a un artista conceptual por derechos de autor

Wed, 20 Jul 2022 21:33:47 +0000

Druet vs. Cattelan: la demanda de un escultor a un artista conceptual por derechos de autor

Lo importante y decisivo es el contenido intelectual de la idea y no cómo esta es convertida en objeto

Rosa Ramos Wed, 20/07/2022 - 17:33

¿Qué tienen en común Marcel Duchamp, Yoko Ono, Piero Manzoni, Sol LeWitt, Yves Klein, Joseph Kosuth y Maurizio Cattelan? Todos son artistas conceptuales. Pero, ¿qué es el arte conceptual? Es un movimiento derivado del expresionismo que se centra en la contemplación de una idea más que de una obra per se. Es decir, muestra ideas que pueden plasmarse en formatos tan disímiles como videos, textos, mapas, esculturas, diagramas, formatos digitales, performances en vivo o música sin estar limitados a las galerías de arte.

Los artistas conceptuales suelen ser quienes elaboran las piezas que presentan, pero —en principio y con frecuencia— son solo quienes presentan una idea y le piden a un artesano o experto (que tiene las habilidades manuales de las que ellos carecen) que las conviertan en objetos o exposiciones.

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¿De quién son los derechos de autor en el arte conceptual?

Pero, ¿por qué hablamos de arte en un medio legal? Esta respuesta es más corta y simple que la del párrafo anterior: porque este mes el Tribunal Judicial de París desestimó la demanda que el escultor francés Daniel Druet levantó contra el artista conceptual italiano Maurizio Cattelan, quien le pidió en varias ocasiones elaborar estatuas hiperrealistas de cera que el italiano usó en varias de sus instalaciones.

De acuerdo con Druet, él merecía un pago millonario por supuestos derechos de autor, al haber sido el ejecutor de las ideas de Cattelan, quien conceptualizó sus obras pero no tiene habilidades para esculpir.

El caso, predeciblemente, hizo saltar las alarmas de todos los involucrados en el arte conceptual. Si el tribunal le hubiese dado la razón al escultor, esta rama artística hubiese muerto inmediatamente, pues, si el conceptualizador y ejecutor final de una idea no puede acreditarse la autoría de esta, ¿para qué conceptualizar? De haber ganado Druet, cada artista que dependiera de un artesano para materializar su idea hubiese sido demandado.

El francés inició la demanda con la convicción de que tenía la paternidad exclusiva de ocho instalaciones escultóricas que hizo, a petición de Cattelan, entre 1999 y 2006 solo porque modeló en cera las ideas del italiano.

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Sobre esto se pronunciaron en una carta abierta decenas de galeristas, artistas y otras personas relacionadas con el arte francés, quienes, entre varias cosas, resaltaron que la posición de Druet no tomaba en cuenta “el enfoque artístico de Maurizio Cattelan en su conjunto ni sus múltiples intervenciones artísticas en diversos contextos que lo han hecho famoso, más allá de estas ocho esculturas”.

Más allá del debate en el contexto plástico, las leyes de propiedad intelectual “son bastante uniformes a lo largo y ancho del mundo occidental”, de acuerdo con Juan Javier Negri, socio de Negri & Pueyrredon Abogados, quien resaltó que estas normas “establecen con claridad qué debe entenderse por una obra intelectual” (a la que pertenecen las obras de arte tradicionales y modernas), lo que deriva en que el autor de una obra de arte es quien la crea, como lo establece el Convenio de Berna y que “presume que el autor de una obra de arte es aquel cuyo nombre aparece estampado en la obra en la forma usual”, que es el caso con las instalaciones de Cattelan que Druet pretendió atribuirse.

El mismo Druet itió que las esculturas se hicieron bajo expreso encargo e instrucciones de Cattelan, por lo que, explica Negri, estas pasaron a perder la originalidad como característica primordial para que las leyes las protegieran como creación intelectual.

“No es necesario que la originalidad sea absoluta”, escribió el abogado, “después de todo, la inspiración y las influencias existen en el mundo del arte. Por eso, aunque la originalidad sea mínima, a la obra se le otorgará protección legal".

A esto se suma otro factor importante: “la ley no exige que una obra intelectual, para ser protegida, esté fijada a un soporte material, lo protegido es la creación, como manifestación del pensamiento”.

“La cuestión es relevante porque, como vimos, bajo esta concepción artística lo importante y decisivo es el contenido intelectual de la idea y no cómo esta es convertida en objeto. Es por eso mismo que insistimos en la importancia de analizar y desentrañar las instrucciones de Cattelan”, expuso el abogado argentino en su columna.

Las mismas cuestiones que planteó Negri son las que consideró la corte gala, que declaró inisibles los argumentos de Druet al reconocer que la propiedad intelectual de Cattelan se impuso en la puesta en escena de las obras realizadas con la mano de obra del escultor. El fallo del tribunal detalló que “las directivas precisas de puesta en escena de las figuras de cera en una configuración específica, sobre todo en lo que se refiere a su posicionamiento en el seno de los espacios de exposición con la intención de jugar con las emociones del público” fueron autoría exclusiva de Cattelan.

Además, argumentaron los jueces de propiedad intelectual que llevaron el caso, “Daniel Druet no es capaz, ni buscaba hacerlo, de arrogarse la menor participación en las decisiones relativas al dispositivo escénico de puesta en situación de dichas efigies (elección del edificio y de la dimensión de las salas que acogen a un determinado personaje, dirección de la mirada, iluminación, incluso destrucción de una ventana o del parqué para hacer más realista la puesta en escena y más llamativa), o sobre el contenido del eventual mensaje que se busca transmitir con dicha puesta en escena”.

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Con esta sentencia se zanjó el asunto, que tuvo en vilo durante varios meses a todo un sector del arte occidental y que pudo haber movido la balanza al lugar equivocado para el arte conceptual.

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Propiedad intelectual y criptoarte 3m3p4h Hermès vs MetaBirkins

Wed, 02 Feb 2022 23:29:16 +0000

Propiedad intelectual y criptoarte: Hermès vs MetaBirkins

Según los abogados de la famosa marca, el NFT puede reflejar creatividad artística, pero no permite usar la marca registrada, como lo es Birkin.

Ana Karen de l… Wed, 02/02/2022 - 19:29

Autor del artículo de opinión

Aldo Munguía

La descripción que Hermès —la lujosa marca sa de moda y marroquinería— hace sobre ‘el Birkin’, su bolso rectangular característico y “uno de los objetos más codiciados de las últimas décadas”, incluye una anécdota histórica que salta de la diseñadora y actriz Jane Birkin a las costuras ‘delicadas’ que juegan con la vista, como ilusiones, y que, en todo el mundo, solo tiene este bolso.

Recientemente, el Birkin, como todo con fama, se hizo objeto de polémica al introducir, masivamente, el esperado debate sobre la propiedad digital, abrigada por los Tokens No Fungibles (NFT, Non-Fungible Tokens). El conflicto del ‘sac à main’, uno de los más costosos del mercado, involucra a Mason Rothschild, un criptoartista que fundó ‘MetaBirkins’, una colección de 100 NFT en los que el bolso es la base del proceso artístico.

Rothschild ha sido demandado por Hermès bajo la premisa de que si bien un NFT —según los abogados de la famosa marca— puede reflejar creatividad artística, el título de artista no confiere el permiso para usar el equivalente de una marca registrada como lo es Birkin.

La disputa legal

“El acusado busca inmunizarse de las consecuencias legales de su apropiación de las famosas marcas registradas de Hermès al proclamar que él es únicamente un artista”, detalla la demanda del caso 1:22-cv-00384, revisada por LexLatin.

El despacho Baker & Hostetler, en su representación de la marca sa, indica que el artista estadounidense ha lucrado con el modelo del famoso bolso. Uno de los principales alegatos es que el uso generalizado de la marca ‘MetaBirkins’, por parte del artista, constituye una infracción a la marca registrada y la dilución de la famosa marca.

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Un par de días después de presentada la demanda, Rothschild divulgó que, siguiendo la primera enmienda, sus abogados le aseguraron que tenía derecho a expresarse y a vender su arte.

“El hecho de que vendo el arte usando NFT’s no cambia el hecho de que es arte. Es bastante claro, al leer la queja de Hermès que no entienden qué es NFT y lo que hacen”, señala el artista en un desplegado en su cuenta de Twitter. En este también indica que él mismo trató de mediar con la marca y sus abogados, a través de una charla informal, pero la empresa de moda decidió intentar intimidar con la demanda ante la Corte en Nueva York.

A statement in response to: Hermès International, et al. v. Mason Rothschild. pic.twitter.com/pil6brfGTl
— MetaBirkins (@MetaBirkins) January 17, 2022

La primera pieza que Mason Rothschild creó sobre su interpretación del bolso Birkin, nombrada 'Baby Birkin', se subastó en 5.5 ETH (Etherium, que es una moneda digital), un equivalente a 15.297 dólares. Después de observar esa demanda para sus colecciones, el artista desarrolló una nueva serie, ahora sin pieles y con textiles alternativos, según la propia descripción del sitio web de los bolsos. Allí nació el MetaBirkin.

Esto, para Hermès, no se trata más que de una copia a la que se le agregó el prefijo ‘meta’ para referirse al mundo virtual o a la economía donde los activos digitales, como NFT, se pueden vender y comercializar, como señala la demanda, promovida el 14 de enero de este año, ante la Corte del Distrito Sur de Nueva York.

En sus redes, el criptoartista recordó la intervención que Andy Warhol hizo sobre las sopas Campbell, como un estandarte. Incluso compartió la nostálgica carta de agradecimiento que William P. MacFarland, quien entonces era el product marketing manager del producto, le envió a Warhol.

🥣 pic.twitter.com/3SfExAtKe6
— MetaBirkins (@MetaBirkins) January 17, 2022

Al respecto del conflicto, Roberta Calazans, quien es abogada experta en Propiedad Intelectual (PI) y socia de la firma Dannemann, en Brasil, detalla que la aparición de los NFT’s en el mundo de la moda supone un desafío para las legislaciones, pues uno de los mercados en boga es el del criptoarte.

Para la experta en PI está claro que ante la falta de definiciones o de un camino regulatorio para aplicar a los NFT (incluso para las obras), ya sean de fines artísticos o de moda y que involucren esta nueva forma de creación, se deberán aplicar las leyes vigentes, por lo que será interesante conocer el fallo de la Corte del Distrito Sur de Nueva York, uno de los primeros precedentes para este tipo de ‘nuevos conflictos’. Será, además, de suma relevancia lo que el Tribunal diga respecto de los NFT ya existentes y en posesión de sus compradores.

“La legislación que se va a aplicar en el caso de los NFT, que es algo muy novedoso, va a ser la legislación de Propiedad Intelectual”, puntualiza Calazans.

Los abogados de Hermès han invocado en el planteamiento de la demanda la ley de marcas registradas de Nueva York, que establece que los derechos de autor se utilizan generalmente para artículos no utilitarios que existen por su apariencia y no por su utilidad, como pinturas, esculturas, canciones y libros.

Los representantes legales de la marca sa señalan que las intervenciones de Rothschild están relacionadas con la “infracción a la marca registrada, la dilución de la marca, la ciberocupación, las designaciones falsas de origen y las descripciones falsas que se hacen del bolso", que están protegidas por el artículo 28 de dicha ley.

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¿Apropiacionismo artístico?

Cada vez hay más ejemplos de activos digitales que son transformados en NFT con el objetivo de ser comercializados. Mónica Zamora, directora del proyecto ArtCryptedGallery, la primera galería de criptoarte en México, y cofundadora de Esferik Agency, una consultora para proyectos de NFT y Metaverso en México, detalla que el apropiacionismo artístico no es una novedad, pues ha sido utilizado para criticar visiones de arte, aunque también para lucrar.

“Va a seguir pasando, aunque las marcas demanden, aquí depende de cuál es el objetivo del artista: quizá sea una crítica a la obra o solo quiso hacer dinero con la copia”, apunta Zamora.

La última de las incursiones en NFT no ha venido de un artista de renombre o una celebridad, sino del Festival de Música y Artes de Coachella Valley, que se celebra en California. Para este año, los organizadores anunciaron que apostarían por incursionar en NFT, pero con beneficios en el mundo real.

Es decir, en el evento se comercializarán una serie de NFT que no solo serán activos digitales, sino que podrán ser el a experiencias exclusivas durante el concierto. Por ejemplo, se podrá adquirir la llave #5, tasada por ahora en 10.000 dólares, que permitirá el a una fiesta privada para un par de personas, además de la oportunidad de entrar, de por vida, al concierto.

“Coachella Collectibles es la primera oportunidad de este tipo de poseer pases de festivales de por vida, desbloquear experiencias únicas en el lugar, artículos físicos y coleccionables digitales”, oferta el evento en una página web abierta exclusivamente para la puja por los NFT.

Criptoarte, ¿una revolución?

Casi todas las expresiones artísticas pueden tener el prefijo “cripto”, que se basa en la necesidad de proteger un activo digital, además de la trazabilidad del mismo: una pintura, un video, un libro electrónico, una canción, incluso una publicación en Twitter puede ser considerada criptoarte. Este concepto, a su vez, entraña una forma de coleccionar estos activos digitales que son los NFT. La ola del criptoarte y su popularidad en las ventas detonó cuando la casa de subastas Christie’s vendió una obra digital de Beeple por casi 60 millones de dólares.

De acuerdo con Mónica Zamora, la incursión de los NFT en el mundo artístico representa una revolución, no solo de lo que es concebido como arte, sino en su forma de acceder a este y comercializarlo.

“El criptoarte trae aparejada la independencia del artista. Con la tecnología, partiendo desde el blockchain, se busca la descentralización, se busca que el artista se pueda independizar de museos, por ejemplo”, explica Zamora en entrevista.

Si bien todo NFT no puede ser considerado criptoarte, toda obra que sí lo es debe llevar un token no fungible como un medio de transparencia en el que se conoce su origen, su precio, a quién le pertenece, cuándo es comprado y otras características. Cabe decir que cuando algún coleccionista adquiere un NFT de una obra de arte, no compra la imagen o un fragmento, sino el estándar de código que lo identifica.

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Para la directora de ArtCryptedGallery, la transición del mundo físico al mundo inmaterial ya había tenido algunos ejemplos al inicio del arte digital, incluso del ‘netart’, pero con el criptoarte este salto se ha vuelto más evidente, pues no hay, en algunos casos, una base física de la obra de arte. Es de mencionar, por ejemplo, que la obra ‘Love is in the air’ de Banksy, artista urbano anónimo, sí tiene un respaldo físico, pero sus dueños decidieron, hace unos meses, convertir el grafiti en 10 mil NFT. Es decir, el mundo físico va al inmaterial.

“El soporte físico es importante en este momento para no saltar de lo material a lo inmaterial, sino para que haya algo en medio. Una especie de evangelización para ver las obras de arte en pantallas”, indica Zamora.

Con la popularización del criptoarte también han surgido nuevas preguntas respecto de la propiedad: en el mundo físico, usualmente, una obra pertenece a una sola persona, en el criptoarte, como en la obra de Banksy, existe la posibilidad de tener una comunidad de propietarios con beneficios sobre los NFT adquiridos, algo que beneficia con más ingresos al criptoartista.

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Horacio Gutierrez 6w5437 el rol del abogado en una empresa como Spotify

Wed, 08 Dec 2021 22:46:42 +0000

Horacio Gutierrez: el rol del abogado en una empresa como Spotify

"Para mí era súper atractivo estar en una empresa en la que el rol del abogado no fuera simplemente el de un consultor".

Ana Karen de l… Wed, 08/12/2021 - 18:46

Diciembre es mes de fiesta, tradición… y del ¡wrapped de Spotify! El afamado resumen que la plataforma personaliza con las canciones y los artistas más escuchados del año. A estas alturas del mes, es un contenido que ya ha sido reproducido por un millonésimo en cualquier parte del mundo. Pero ¿qué hay detrás de ese clic? ¿Qué hizo de Spotify, Spotify? Esa compañía cuyas acciones se cotizaron en el mercado por arriba de los 240 dólares el día de hoy.

Horacio Gutierrez

Horacio Gutierrez, head of global affairs y chief legal officer de Spotify, lo dice: la plataforma logró que los s escucháramos 'casi instantáneamente' música en una nube. Pero hay algo más. Con Spotify cualquier pudo reproducir playlists infinitas de manera gratuita, es decir, estamos hablando de una plataforma que logró obtener licencias legales de catálogos universales de música. Y otra cosa más: precisamente Horacio Gutierrez, el abogado venezolano que lidera la oficina legal de empresa, diseñó la estrategia que desbloqueó el debate necesario sobre las prácticas monopólicas en ese sector. Un ejercicio redondo de democratización de contenidos.

Mientras el mundo transita a la economía colaborativa a través de plataformas digitales, los mercados se readaptan y las compañías modelan estructuras aún libres de leyes prohibicionistas. Es este el escenario perfecto para que se distinga una mente estudiosa de las normas de propiedad intelectual, antimonopolio y las estructuras de negocios.

Así es Horacio Gutierrez, exdirector jurídico global de Microsoft, un abogado altamente especializado con gustos eclécticos para la música y los podcast, que dice que seguramente el equipo de personalización de Spotify, luego de ver su perfil, se lleva las manos a la cabeza por su historial y prefiere renunciar antes de entenderlo.

Hagamos un recorrido cronológico por los cambios en el sector de la música. Con iTunes pasamos de comprar discos a la posibilidad de comprar una sola canción. Con Spotify podemos escuchar muchas canciones, lo cual lleva a una democratización de la música para los s, ¿esto cómo se logra?

El hilo común es la complejidad del mundo en el que operamos hoy día, donde la disrupción tecnológica se conecta con los cambios de las estructuras comerciales. Estamos hablando del impacto que ha tenido la transición al mundo digital, el impacto de Internet. La gran innovación de Spotify era que cuando iTunes tenía el modelo de bajar una canción y pagar 99 centavos de dólar por cada una, nosotros hicimos básicamente tres cosas:

Movernos de un modelo de descarga individual de canción a un modelo donde el catálogo interno universal de música estaba disponible para el . Ya eso existía, pero en empresas que no habían resuelto el problema del licenciamiento, de modo que el contenido no era legal. Hubo grandes batallas en las Cortes, en EE.UU., como el caso de Napster. Spotify logró brindar este licenciado con todos los derechos de propiedad intelectual, de modo que los artistas y las empresas que los representaban pudieran beneficiarse de la monetización de la plataforma.
Cuando Spotify se fundó, hace más de 13 años, no existía la tecnología para que tú pudieras escuchar una canción inmediatamente, en ese momento en que dabas clic al botón. Había un retraso de siete, ocho segundos cuando tratabas de escuchar música desde la nube y era una barrera psicológica que impedía a la gente aceptar el modelo de streaming. Spotify logró bajar ese retraso a 250 milisegundos, que es escucharlo de manera casi instantánea. Fue un reto tecnológico.
El tercero es la creación de este modelo freemium. Es decir no solamente hay un modelo para suscriptores que pagan una cantidad de suscripción mensual, sino que la gente puede escuchar el mismo catálogo, no una pequeña parte, sino el mismo catálogo, y de manera gratuita siempre que estuvieran dispuestos a oír cuñas publicitarias.

Este nuevo modelo llevó a una disrupción en el sector, ¿cuáles fueron las reacciones?

Estos cambios hicieron que el modelo de iTunes de descarga y pago por canción dejara de ser relevante.

Entonces Apple empezó a cobrar a las aplicaciones un 30 % de todos los ingresos que tuviéramos con los s de iPhone y iPad. No solo la primera vez que descargaran la aplicación, sino a perpetuidad, es decir, de todo el ingreso que se recibiera de ese .

Nosotros accedimos a esto y tuvimos que subir nuestro precio para poder pagar el costo. En ese momento Spotify no tenía ganancias. De hecho, a Spotify todavía a día de hoy le ha costado mucho poder tener ganancias netas por el modelo de negocio de la música: el 70 % de cada dólar que nosotros recibimos lo pagamos a los artistas a través de sus disqueras.

Entonces, Spotify subió el precio de su suscripción. ¿Qué pasó después?

Apple compró Beats Music, le cambió el nombre y lo lanzó a un precio menor que el nuestro. Lo lanzó a 9.99 dólares, que era el precio que nosotros teníamos antes de haber sido forzados a subirlo. Apple había creado un costo arbitrario para sus competidores, cuando ellos podían lanzar su propio producto que no estaba sujeto a estos costos. Y esto es netamente anticompetitivo.

Apple’s selective tweaks to its App Store rules are welcome, but they don’t go far enough. #TimetoPlayFair pic.twitter.com/z3FasGsXNX
— Horacio Gutierrez (@horaciog) September 2, 2021

Por esto, hace tres años presentamos una demanda frente a la Comisión Europea y si bien en aquel momento éramos una voz solitaria que hablaba sobre el tema, hoy en día son muchísimas empresas las que lo dicen. El tema está siendo ventilado no solamente en tribunales, sino también en las Cámaras Legislativas en Europa y Estados Unidos.

Es un ejemplo del carácter dinámico de la competencia y de que la competencia está ocurriendo no solamente a nivel de productos y a nivel de de precios, sino también en el plano regulatorio y en el plano legal, donde las empresas están tratando de modernizar el marco regulatorio para asegurar que la competencia desleal no ocurra.

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¿Hay todavía espacios importantes que deberían cubrirse?

Ha habido interesantes discusiones y parece que hay un consenso emergente en el sentido de que la legislación tiene que modernizarse, pero todavía no hemos logrado nada concreto. Las decisiones de la Corte no han sido finales. Nuestro caso no ha sido decidido. Los proyectos de Ley todavía no han sido promulgados ni por el Parlamento Europeo ni por el Congreso de los Estados Unidos. Todavía estamos a uno o dos años de ver el efecto específico. La pregunta principal que nosotros como abogados nos formulamos es: ¿cuáles son las reglas de la competencia que deben aplicar a este mundo digital?

La velocidad a la que estas tendencias tecnológicas se mueven es tan rápida. Lo que se está viendo es un proceso de tratar de entender las realidades a las que nos enfrentamos y adaptar el marco legal que los gobierna, de una forma en que la respuesta legal y la regulación no estén desfasadas.

¿Qué normas nos hace falta aprobar con urgencia?

La protección de datos es fundamental porque la protección de la vida privada de los ciudadanos es un derecho humano reconocido por la Declaración de los Derechos Universales de las Naciones Unidas. En ese tema se ha progresado bastante, sobre todo en Europa. En EE.UU. es importante que se promulgue una nueva ley que realmente proteja a los individuos. Hoy en día EE.UU. está un poco atrasado en la protección de estos derechos.

Es importante también que se modernice el sistema de regulaciones antimonopolio, particularmente en Estados Unidos, pero también en Europa, porque no le dan a los reguladores las herramientas para actuar de manera rápida y eficaz, a tiempo de corregir los desbalances de la conducta monopolista de algunas empresas.

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Otro tema que es menos regulatorio pero más del mercado tiene que ver con los artistas. Las plataformas tecnológicas han evolucionado y los modelos de negocio de la industria de la música no han evolucionado al mismo paso. Entonces, si bien Spotify hoy paga más de 70 centavos por cada dólar que recibe a las disqueras y a las empresas que manejan los derechos de autor de los compositores, el porcentaje que termina llegando a los artistas es muy menor. Y la razón es que los contratos de los artistas y de los compositores con esas organizaciones se rigen por términos que existían y se justificaban quizás a mediados del siglo XX, pero que no se justifican hoy día, cuando los costos de distribución de la música se han eliminado gracias a la distribución digital.

La actualización de esos términos, para que un mayor porcentaje de las ganancias que vienen del streaming llegue al artista, es urgente.

¿Por qué decidió dejar Microsoft y entrar a Spotify?

Llegué a Spotify después de casi 18 años de trabajar en Microsoft, en América Latina, y luego en la casa matriz, en Seattle. Estuve unos años a cargo del departamento legal y corporativo en Europa, Oriente Medio y África. Eventualmente, después de haber entrado como abogado corporativo, terminé como director jurídico global para Microsoft. Mi decisión de dejar Microsoft por Spotify no fue accidental. Fue muy, muy pensada y analizada.

Lo que me atrajo de Spotify era que, a pesar de que en ese momento tenía 2.000 empleados a nivel mundial, ya era líder de su categoría. Era una empresa innovadora, donde el abogado iba a tener un rol quizás más importante de lo que hubiera podido tener en otro lugar. Porque es una empresa de contenidos y la gran mayoría son licenciados de terceras partes, de modo que el conocimiento de propiedad intelectual y la capacidad de negociar en contratos de licenciamiento es esencial.

Al mismo tiempo es una empresa de tecnología donde era claro que los retos regulatorios iban a ser importantes y había que saberlos navegar: no solamente estar a la defensiva, sino incluso poder tener una posición de liderazgo también a la hora de abogar por cambios legislativos y regulatorios.

Para mí era súper atractivo estar en una empresa en la cual el rol del abogado no fuera simplemente el de un consultor, sino de alguien que estuviera participando en la toma de decisiones estratégicas y -en mayor o menor modo- influenciando la dirección que la empresa iba a tomar a nivel de productos, a nivel de negocios. Y la verdad es que no me arrepiento. Es una experiencia fantástica.

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En su opinión, ¿cuáles activos intangibles son los más valiosos de Spotify?

Una de las razones del éxito es tener muy claro cuáles son las competencias y cuáles son las ventajas competitivas. Somos una empresa que tiene una fracción del tamaño de nuestros competidores, como Google, Apple, Amazon, que son empresas que tienen varias veces más ingenieros y más capacidad de crear productos.

Lo que nosotros tenemos a nuestro favor es la claridad de nuestro enfoque y nuestra fortaleza: todo lo que tenga que ver con audio.

Empezamos con música, luego con podcast. La semana pasada se anunció que adquirimos una empresa de audiobooks. El hecho de que estamos tan claros en el enfoque competitivo significa que a pesar de que somos una empresa pequeña, podemos golpear. El área de innovación está en el audio. Spotify fue creada sobre una innovación tecnológica específica: permitir el streaming, acelerar la velocidad con la que se reproduce un archivo musical que no está en tu aparato o en tu mano, sino que está en la nube.

A partir de allí ha habido toda una cadena de innovaciones y ahora hemos empezado a incorporar otros tipos de formatos de audio. Hemos empezado a mezclar experiencias de vídeo con la experiencia de audio, que hacen la experiencia auditiva todavía más rica.

Nuestro portafolio de patentes no es demasiado grande, nos enfocamos en la calidad más que en la cantidad. Pero representa el hecho de que tenemos a ingenieros e innovadores de primer orden trabajando para nosotros en todas partes del mundo, desarrollando el Spotify del futuro.

¿Cuáles considera que son las competencias que debe tener un abogado que trabaje en innovación y tecnología?

Las industrias de innovación requieren de competencias legales específicas. Por ejemplo, proteger la propiedad intelectual a nivel mundial. Estamos en una economía globalizada, con regímenes legales de patentes y de propiedad intelectual diferentes.

Hay que saber manejar los tratados internacionales, pero también la ley local en muchos de esos países. Cada vez es más importante el derecho de la privacidad, de la protección de datos, las regulaciones de las leyes antimonopolio. ¡Están cambiando todos los días! De modo que hay que mantenerse al día y conocer estos temas con profundidad.

Los abogados, sobre todo los de mi generación, fuimos entrenados para tener una visión un poco estática de la realidad. Y resulta que en el mundo de la tecnología la única constante es el cambio. Las tecnologías nuevas tienden a ser movimientos casi telúricos a nivel de negocios y debemos adaptarnos a esa visión dinámica. El abogado debe tener no solamente la capacidad de adaptarse al cambio, sino de triunfar en un ambiente de cambio constante.

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¿Cuáles son sus consejos para jóvenes abogados, considerando su evolución profesional?

El tema clave para la evolución de mi carrera ha sido primero mi curiosidad y mi interés en aprender temas nuevos. Pasé de ser un abogado comercial a convertirme en abogado de propiedad intelectual, y luego en tecnología, y tuve que aprender derecho de la competencia. Y una de las cosas que me ha agradado más de mi carrera es que he tenido la oportunidad de reinventarme a medida que los nuevos retos se han presentado. Entonces, tener una mente abierta, no estar tan atado a tu área específica de especialización, sino tener curiosidad de aprender no solamente los temas legales, sino también los de políticas públicas, estrategia comercial, tener interés por la evolución tecnológica y la competencia entre plataformas tecnológicas.

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Caso de Badsura en Venezuela 2x3539 una violación al derecho de integridad de la obra

Thu, 18 Nov 2021 18:24:20 +0000

Caso de Badsura en Venezuela: una violación al derecho de integridad de la obra

¿El derecho protege al arte?, ¿a qué tipo de arte?, ¿qué deben considerar las y los artistas al momento de cerrar un contrato de servicios?

Ana Karen de l… Thu, 18/11/2021 - 14:24

Wolfgang Salazar, el artista urbano conocido como 'Badsura', denunció este martes (16) que se cubrió con pintura blanca una de sus obras. De acuerdo con el artista, dicha obra contaba con registro de propiedad intelectual. Según el comunicado que él difundió, el conflicto tuvo origen en la falta de cumplimiento de un acuerdo verbal que Badsura pactó con el restaurante caraqueño que contrató sus servicios.

El caso refleja una situación común para quienes se dedican a la producción artística, un sector íntimamente relacionado con el derecho de la propiedad intelectual, así como contractual. A decir de Manuel Rodríguez, socio fundador del despacho venezolano Antequera Parilli & Rodríguez, en donde es director de los departamentos de defensa de derechos de propiedad, hay una serie de requisitos mínimos recomendables que se pueden exigir al momento de cerrar acuerdos de servicios profesionales, entre otras: asegurar las expectativas del autor frente al derecho de la propiedad intelectual, plasmarlas en un contrato, dejar en claro la contraprestación monetaria, las características de la obra y el tiempo y forma de entrega, sin olvidar las cláusulas de responsabilidad para ambas partes.

Además, se recomienda a las y los artistas recibir asesoría especializada en propiedad intelectual, con ello podrían conocer las sanciones a las que están sujetas las personas que atenten contra sus obras.

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El caso del conflicto ¿se trata de una violación a derechos de autor?

Manuel Rodríguez. El que hayan completamente tapado con pintura blanca la obra realizada por Badsura es un claro atentado contra el arte y, legalmente, es una violación grave al derecho de integridad de la obra. Por este se contempla sanción penal conforme al artículo 122 de la Ley sobre el Derecho de Autor venezolana (LSDAv).

Por otro lado, el incumplimiento en los pagos que aduce Badsura es un conflicto de orden comercial, cuya competencia le corresponde a los tribunales civiles.

Es posible que las partes puedan optar por un medio conciliatorio para la resolución del conflicto, para ello se encuentra la Dirección Nacional de Derecho de Autor (DNDA).

¿Qué recomienda que revisen las y los artistas urbanos antes de cerrar un acuerdo de servicios profesionales?

Es poco probable que exista una prestación de servicios profesionales que implique crear una obra sin que exista un contrato entre las partes, aun cuando el consentimiento se haya manifestado de manera meramente verbal.

Sin embargo, para precaver conflictos y disminuir sensiblemente las controversias y reclamos entre las partes es indispensable disponer de una asesoría básica especializada en propiedad intelectual, que le permita al autor concretar sus expectativas de modo que no se pueda contravenir y que suponga un sentido de equidad para quien le contrata.

Por ejemplo, se sugiere determinar, entre otras: contraprestación monetaria o de otra naturaleza; las características de la obra, tiempo y modalidad de entrega; responsabilidad en caso de pérdida de las cosas sujetas al contrato y a quién corresponde la responsabilidad, y cláusulas resarcitorias por incumplimiento.

Estas por mencionar algunas de las que se desprenden de los tópicos más conflictivos, conforme a mi experiencia profesional.

¿Qué significa, en la práctica, que una obra cuente con registro de propiedad intelectual?

La obra, sea literaria, artística o científica, en cuanto tenga originalidad, es decir una fuerza expresiva que manifieste la impronta del autor y la diferencie del resto, está protegida por el solo hecho de la creación (art. 5 LSDA). Lo que otorga tal registro es certeza en el orden temporal (fecha cierta), y puede ser igualmente obtenido a través de otros medios.

Una obra que haya sido registrada, no goza de mayor protección legal que otra que carezca del registro concedido por la autoridad nacional competente (DNDA).

¿A qué derechos se accede cuando la obra está expuesta en espacios completamente abiertos al público como sucede con el arte urbano?

El arte urbano o Street Art se caracteriza por sus peculiares técnicas de graffiti y muralismo, cargado de un modo expresivo lleno de irreverencia y colores, cuyo contenido o soportes materiales a través de los cuales se manifiestan las obras de este género, son espacios y elementos físicos, como paredes e incluso partes grandes de inmuebles, que están expuestos en lugares usualmente de público.

Como concreción de obras artísticas originales, si lo fueren, gozan de protección inmediata. Pero el asunto está en que muchas de estas obras suelen tener un tiempo muy finito de existencia, bien porque así lo dispone el autor, o porque la obra se plasmó sin autorización alguna en una pared, por poner un ejemplo, y luego el propietario de la pared decide destruir la pared o pintarla.

En este caso habría un conflicto entre el derecho de autor que propugna la protección del autor y su obra, contra el legítimo derecho del propietario del inmueble, cuya fachada fue “intervenida artísticamente” sin su consentimiento. La interrogante es: ¿cuál derecho debe prevalecer?

¿Cómo se protege al arte y qué supuestos se necesita cumplir para que sea reconocido como tal?

La protección del arte, como expresión de la cultura, está protegido en Venezuela a través de leyes especiales. Esto implica su investigación, rescate, preservación, conservación, restauración, revitalización, revalorización, mantenimiento, incremento, exhibición, custodia y vigilancia.

Circunscribiendo a las obras de artes plásticas, bidimensionales o tridimensionales, su protección en el orden legal, por decirlo de alguna manera, es automática, en tanto goce de originalidad, pues el ejercicio de los derechos del autor o de su titularidad no está subordinado al cumplimiento de ninguna formalidad.

Concluyendo, basta que la obra sea original para estar automáticamente protegida en el orden legal.

Conviene recordar siempre, que el derecho de autor no valora el mérito, ni el género o destino de la obra. Tan es así que el denominado arte conceptual, donde prevalece y es esencial el concepto, relegando o haciendo desaparecer la estética considerada como belleza o fealdad, ha permitido que un plátano pegado con una cinta plástica gris (Maurizio Castelán /obra El Comediante) se valore en más de 128.000 dólares; o que 90 gramos de excremento fecal enlatados por el artista Piero Mazonni (obra Merda d´artista) supere los 230.000 dólares.

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México protege a los alebrijes con una indicación geográfica 6n4o1l

Mon, 26 Oct 2020 18:38:47 +0000

México protege a los alebrijes con una indicación geográfica

Este tipo de artesanías se identificarán solo con la región que abarca los Valles Centrales de Oaxaca

Adelina Miguel Mon, 26/10/2020 - 14:38

El Instituto Mexicano de la Propiedad Industrial (IMPI) resolvió otorgar una protección de indicación geográfica a las artesanías talladas en madera, elaboradas en el estado de Oaxaca, conocidas como alebrijes, tonas o nahuales. La solicitud fue presentada en agosto de este año por la Secretaría de Economía del Gobierno del Estado de Oaxaca (SE).

La indicación geográfica es reconocida a través de una declaratoria de protección que emite el IMPI y supone la protección de bienes de dominio público del país. Para el caso, se atribuye a los Valles Centrales de Oaxaca, lo que a su vez identificará a la artesanías como productos originarios de la zona y las protegerá de plagio, robo o imitaciones. El Gobierno de Oaxaca comunicó que el señalamiento quedará como “Alebrijes, Tonas, Nahuales y Tallas de Madera de Los Valles Centrales de Oaxaca”. La zona comprende cinco localidades: San Antonio Arrazola, San Martín Tilcajete, Unión Tejalápam, San Pedro Taviche y a la capital del estado, Oaxaca de Juárez.

En la solicitud presentada ante el IMPI se identificó que la materia prima utilizada para estas artesanías es el árbol de copal, aunque algunos artesanos también utilizan madera de zompantle, cedro, sauce y sabino. Es tradicional que los artesanos solo corten madera en luna llena. También quedó descrito el proceso artesanal, desde el tallado que se realiza con machetes, cinceles, mazo y hasta el pintado, que incluye tallado, secado y lijado, curación y pintado.

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Los alebrijes se conocen desde los años 30 y hasta 1985 la mayoría de los artesanos utilizaba el compuesto orgánico de anilina para el pintado o pigmentos naturales provenientes de cortezas de árboles o de la cochinilla, un pequeño insecto.

De acuerdo con la legislación mexicana, una vez que se estudia y aprueba la solicitud de registro ante el IMPI, se publica la declaratoria de protección del Diario Oficial de la Federación (DOF), que ocurrió el pasado 19 de octubre. A partir de esa fecha, cualquier tercero interesado que justifique su interés, tendrá dos meses para presentar su oposición a la declaratoria. El Instituto le informará al solicitante de cualquier oposición recibida y este a su vez tendrá dos meses más para manifestar por escrito lo que a su derecho convenga.

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Italiana F.I.L.A. logra financiamiento sindicado por EUR 500 millones 52411o

Tue, 25 Sep 2018 23:08:27 +0000

Italiana F.I.L.A. logra financiamiento sindicado por EUR 500 millones

El sindicato de bancos está integrado por fue integrado por UniCredit S.p.A., Mediobanca – Banca di Credito Finanziario S.p.A., Banca Nazionale del Lavoro S.p.A., Banco BPM S.p.A., Intesa Sanpaolo S.p.A.

Erika Hidalgo Tue, 25/09/2018 - 19:08

La corporación de productos de artes y similares Fabbrica Italiana Lapis ed Affini S.p.A (F.I.L.A.) logró un acuerdo de refinanciamiento por EUR 500 millones, aproximadamente USD 586 millones al 26 de septiembre, a través de un crédito con un sindicato internacional de entidades financieras.

Este grupo de bancos fue integrado por UniCredit S.p.A., Mediobanca – Banca di Credito Finanziario S.p.A., Banca Nazionale del Lavoro S.p.A., Banco BPM S.p.A., Intesa Sanpaolo S.p.A. y sus subsidiarias.

F.I.L.A. fue asesorada por BonelliErede en Italia; Skadden, Arps, Slate, Meagher & Flom LLP en Londres y Chicago; y Cervantes Sainz, S.C. en México. Se conoció de la participación Salonia e Associatti, pero este bufete se abstuvo de emitir comentarios sobre su participación en el caso.

El sindicato de entidades prestamistas utilizó los servicios de Linklaters en Italia y Hong Kong. Por su parte, Gonzalez Calvillo, S.C., en México, representó a Unicredit Bank AG.

El Grupo F.I.L.A. es un proveedor líder de artículos de escritura y pintura en una variada gama de líneas y marcas. El holding agrupa más de 40 denominaciones comerciales de productos que se distribuyen en los cinco continentes. 25 de estas marcas son consideradas icónicas.

Asesores legales

Asesores de Fabbrica Italiana Lapis ed Affini S.p.A (F.I.L.A.):

BonelliErede (Milán y Roma): Socios Emanuela Da Rin, Mario Roli y Silvia Romanelli. Asociados Alfonso Stanzione, Edoardo Pecorario y Elisabetta Bellini.
Skadden, Arps, Slate, Meagher & Flom LLP. (Londres y Chicago): Socios Lorenzo Corte, Pete Coulton y Lynn McGovern. Asociados Andrea Spadacini, Cristina Tomassini, Nour El-Kebbi, Jo Jiménez, Tabitha Humphries, Michael Tomczyk y Kristoffer Gredsted.
Cervantes Sainz, S.C. (Ciudad de México): Socio Alejandro Sainz. Asociados Santiago Alessio Robles e Isaac Carrasco.

Asesores de UniCredit S.p.A., Mediobanca – Banca di Credito Finanziario S.p.A., Banca Nazionale del Lavoro S.p.A., Banco BPM S.p.A., Intesa Sanpaolo S.p.A.:

Linklaters LLP (Hong Kong y Milán): Socios Davide Mencacci y Andrea Arosio. Asociados Lilia Lani, Marco Carrieri y Carlo Amato. Asistente legal Filippo Nola.

Asesores de Unicredit Bank AG:

Gonzalez Calvillo, S.C. (Ciudad de México): Socio José Ignacio Rivero Andere. Asociado sénior Jacinto Avalos Capín. Asociado Eduardo Ortíz del Blanco.

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